Per l'edizione 2024 – non a caso intitolata We Humans – la Biennale Danza di Wayne McGregor sceglie di tornare a un rapporto ancestrale con l'arte coreutica, rivalutando il suo potenziale sociale e di aggregazione senza eccessi di parole e intellettualismi. Il festival viene inaugurato giovedì 18 luglio dal Leone d'Argento Trajal Harrell col suo Sister or he buried the body, un “canto” alla memoria di sapore spiritual che riecheggia sia Katherine Dunham e le ragioni antropologiche del movimento del corpo, sia le origini della danza cosiddetta lyrical.

Lo statunitense Harrell, indossando una gonna colorata e una sottoveste, fa il suo ingresso in una scena di dimensioni ridotte, delimitata da nastri di colore oro e azzurro. In posizione seduta, dondolando grazie al movimento quasi impercettibile delle gambe, copre il proprio viso con gli arti superiori che, leggermente tremolanti, si muovono con misura suscitando un forte sentimento di pathos. La sua danza è un pianto, un libero sfogo del corpo che mira a esprimere le emozioni insite nella musica, a visualizzare ritmi e melodie.

Nel teatro che fu il San Giovanni Grisostomo, patria dell'opera in musica nel Settecento e oggi Teatro Malibran, va invece in scena la compagnia taiwanese Cloud Gate. Waves è un lavoro al passo con i tempi, capace di attrarre un ampio pubblico; si tratta dell'azione di dodici danzatori in abiti futuristici che si muovono in sincrono, costruiscono canoni di movimento, propongono duetti e soli ipnotici dialogando con i loro ologrammi proiettati sul fondale in vesti casual. Organizzati in formazioni spesso maschili o femminili, i performers ricordano i movimenti di rivalutazione dei sessi nella danza; si pensi a mo' di esempio a Ted Shawn e alla sua compagnia Ted Shawn and His Men Dancers.

I personaggi di Waves, umani e digitali, sembrano vivere in due mondi paralleli nei quali il sé non omologato e cosciente viene tenuto in ostaggio. Se la prima parte dello spettacolo risulta più occidentale nel linguaggio e nello stile (si pensi, per fare un esempio, a Momix di Moses Pendleton), la seconda parte – complice anche la colonna sonora – porta in scena, rinnovandola, una danza di sapore orientale mescidata con la tradizione, con i movimenti del Tai Chi, dello Yoga e delle tecniche meditative.

Negli spazi dell'Arsenale, Melisa Zulberti porta in scena a sua volta uno scenario post-bellico (o post-apocalittico). La scenografia consiste di strutture riflettenti che moltiplicano sia i corpi dalle sembianze robotiche che abitano la scena sia i punti di vista, mentre in sottofondo risuona una musica elettronica eseguita dal vivo che a tratti rimanda a The Wall dei Pink Floyd. Posguerra inizia con bilanciamenti e giochi di peso; tramite l'uso sapiente degli oggetti di scena – che simboleggiano ora ostacoli ora muri e rovine di edifici – la coreografa argentina propone un monito sul futuro più prossimo. Rinuncia ai canonici passi di danza per mettere in evidenza lo sforzo fisico ed emotivo, calibrato soprattutto sulle doti interpretative delle cinque convincenti danzatrici.

Nel panorama della danza contemporanea, dove spesso il concetto regna sovrano, Zulberti porta alla Biennale un raro esempio di drammaturgia danzata. Come in Waves, l'interazione con le tecnologie audiovisive è elemento primario: ogni danzatrice indossa un casco sul quale è assicurata una telecamera grandangolare il cui prodotto è proiettato in tempo reale sul fondale, mostrando così realtà plurime e ponendo a confronto oggettività e soggettività. Se Cloud Gate riflette soprattutto sul rapporto più generico tra uomo e tecnologia, intuendone comunque i risvolti più inquietanti, Zulberti si sofferma sulle potenzialità distruttive dell'umano e del relativo “progresso”, su possibili degenerazioni, su imminenti conflitti. Se il lavoro presentato al Malibran rende plausibile una presa di coscienza, nonché la possibilità di trapassare tra universo virtuale e mondo “analogico”, Posguerra non lascia spazio all'ottimismo, terminando con un crollo simbolico degli oggetti di scena e con l'immagine del volto della danzatrice principale profondamente segnato, nell'incertezza di essere vittime e sopravvissuti.

Ma è in particolare Natural Order of Things a cogliere l'essenza di We Humans; coronato da una standing ovation che ha tutta l'aria di non essere né la prima né l'ultima, il lavoro del coreografo libanese Mc Guy Nader – realizzato in sinergia con la spagnola Maria Campos – si distingue per inaudita qualità sulla scena attuale della danza contemporanea.

Il palco del Teatro alle Tese (Arsenale) si apre su un apparente caos, con movimenti ciclici e ripetitivi nell'intento forse di riprodurre quel movimento dei corpi celesti nel cosmo che secondo gli antichi avrebbe ispirato le origini della danza. L'effetto è (ancora una volta) ipnotico, complice la musica minimalista che riprende autori come Philip Glass o Steve Raich, e con quest'ultimo la collaborazione tra il musicista e Anne Teresa De Keersmaeker, a tratti dichiaratamente citata nelle torsioni che accomunano Phase e Natural Order of Things.

Il lavoro è una fucina di riferimenti: oltre alla coreografa belga sembra di ritrovare in scena il Merce Cunningham di Points in Space (con musica di John Cage), il fall and recovery di Doris Humphrey e i gesti comuni del camminare, dondolare, ruotare; senza prescindere dai dettami della modern dance, non si rinuncia all'estremo vigore, ai movimenti ginnici e alle prese, in poche parole alla danza, con contaminazioni che toccano la ginnastica artistica e la break dance. Mc Guy Nader crea schemi per romperli. E non c'è bisogno di raccontare o di capire alcunché se il risultato visivo è così stupefacente.