Il debutto de Il nome della rosa di Francesco Filidei al Teatro alla Scala rappresenta una sfida artistica ambiziosa: trasferire un soggetto complesso e ricco di sfumature come il celebre romanzo di Umberto Eco da un medium narrativo quale è la letteratura a uno spettacolo operistico contemporaneo è sempre un’operazione delicata, che comporta rischi e scelte non semplici. Commissionata congiuntamente dal Teatro alla Scala e dall’Opéra national de Paris, in coproduzione con quest’ultima e la Fondazione Teatro Carlo Felice di Genova, l’opera in due atti si basa su un libretto firmato dallo stesso Filidei e Stefano Busellato, con la collaborazione di Hannah Dübgen e Carlo Pernigotti.

La recita del 3 maggio ha evidenziato un lavoro di grande densità e originalità, che mette in dialogo linguaggi musicali contemporanei, dimensioni filosofiche e tensioni emotive. La regia di Damiano Michieletto, con scenografia di Paolo Fantin e luci di Fabio Barettin, costruisce un percorso scenico labirintico, riprodotto da un’imponente struttura esagonale luminosa sospesa, simboleggiante la biblioteca-labirinto del romanzo di Eco, sormontata da una croce. Questa immagine potente rappresenta un controllo opprimente della fede sulle vicende e sulle pulsioni represse dei personaggi, in particolare di Adso, il giovane novizio. L’allestimento scenico risulta particolarmente efficace nel creare un’atmosfera sospesa e claustrofobica. La cantoria perimetrale che ospita il coro agisce come presenza costante, a volte acusmatica, suggerendo la costante sorveglianza della fede sul microcosmo abbaziale. La tensione emotiva si concentra in Adso, il cui desiderio represso trova finalmente espressione nel catartico finale, quando il labirinto e la biblioteca vanno in fiamme, simboleggiando la distruzione di un ordine intellettuale e morale.

 Francesco Filidei suddivide l’opera in sette giorni, che raggruppa in due atti e ventiquattro scene, chiamate “Stanze”. L’architettura musicale si basa sui dodici suoni della scala cromatica, con i quali le “Stanze” si alterano, ricreando una struttura labirintica. La musica si distingue per un’orchestrazione ricca e audace, capace di creare atmosfere suggestive dalle tinte forti. La partitura è pensata per grande orchestra, con l’impiego massiccio di ben cinque gruppi di percussioni tradizionali e non convenzionali – crotali, raganelle, nacchere e fruste, ma anche fogli di plexiglass, campane di bambù, pagine di giornale, libri, posate, piatti e persino una paperella sonora. Quest’idea di strumentazione, unito all’uso di una vasta gamma di voci, dal baritono al tenore leggero, dal contralto al controtenore, crea un universo sonoro originale e coinvolgente. La direzione di Ingo Metzmacher è impeccabile, riuscendo a dare forma e coerenza a una partitura complessa e stratificata. L’orchestra della Scala risponde con precisione e passione, mentre il Coro del Teatro alla Scala, diretto da Alberto Malazzi e Giorgio Martano, e il Coro di voci bianche dell’Accademia, preparato da Bruno Casoni, aggiungono un livello di profondità e suggestione che valorizza l’impianto sonoro e drammaturgico.

L’opera è ricchissima di citazioni musicali e culturali che spaziano da Gustav Mahler a opere liriche come Falstaff, Peter Grimes, Don Giovanni e altre ancora, fino al Sederunt principes di Perotinus e ad altre sequenze e temi gregoriani. Tuttavia, la presenza di questi riferimenti, benché raffinata, risulta piuttosto autoreferenziale e poco funzionale alla costruzione drammaturgica complessiva, lasciando in molti momenti un senso di distacco piuttosto che di efficace dialogo con il materiale originale o con lo spettatore.