Pochi, ma invasivi, disturbatori tra il pubblico hanno mostrato insofferenza per il mancato rispetto delle didascalie (Ismaele non sottrae Fenena al pugnale di Zaccaria, un momento di forte tensione come S’appressan gl’istanti viene apparentemente disinnescato da una mimica irreale) e per certe lunghe, mute parentesi aggiuntive chiamate a fare da transizione tra un atto e l’altro (i militari che triturano i libri, una scena di annegamento). Tuttavia, nell’impianto oratoriale – assai più che operistico – sotteso alla struttura del Nabucco, lo scioglimento “senza azione” del salvataggio di Fenena non suona come una forzatura. L’effetto straniante che Ricci e Forte imprimono a S’appressan gl’istanti (cantanti fermi al proscenio, mentre dei mimi, nelle vesti cenciose di prigionieri, li circondano come avviluppandoli) restituisce l’idea di tensione irrisolta insita nella struttura “a canone” della pagina, dove ciascuna voce esprime una dopo l’altra – inseguendosi, e mai raggiungendosi – la medesima idea musicale. Quanto a quelli che una manciata di spettatori ha scambiato per gratuiti siparietti, sono due momenti di altissimo impatto teatrale: la distruzione dei libri si trasforma in autentico rituale, l’annegamento dei profughi viene risolto con una stilizzazione materica e poverissima – un bicchiere, un filo blu – di devastante forza emotiva. E in una partitura organizzata “a numeri”, qual è quella del Nabucco, né l’uno né l’altro infirmano minimamente l’arcata narrativa.

In questo Nabucco attento ai rapporti tra i personaggi piuttosto che alla natura dei personaggi stessi, più “polifonico” che “solistico”, stupisce trovare voci protagonistiche e mattatoriali (per volume, colore, personalità) come quelle di Amartuvshin Enkhbat e Saioa Hernández: che si siano inserite senza frizioni nella struttura dello spettacolo è la prova migliore non solo della loro duttilità di artisti, ma anche della validità del progetto registico. Lui sfoggia uno strumento fondo e compatto, tanto scuro nelle risonanze quanto morbido dell’emissione, dove gli accenti granitici della prima parte cedono il passo, nel prosieguo, a un “mezzoforte” pastoso come un “pianissimo”: e se il pubblico giovane – o di meno lunga memoria – scorge un epigono di Bruson, questo baritono mongolo d’infallibile idiomaticità verdiana guarda a stelle polari più lontane, a Robert Merrill, soprattutto a Bastianini. Lei, invece, affronta il canto di sbalzo e le escursioni altimetriche di Abigaille mantenendo un’appiombatissima omogeneità del suono, smaltata in alto, perentoria nel grave, sciabolante senza degenerare nel tagliente. Solo nelle frasi dolcissime di Anch’io dischiuso un giorno la cantante sembra faticare un po’: ma lì è Verdi a chiedere un miracolo irrealizzabile, pretendendo quell’oasi di mezzevoci all’interno d’una scrittura di tutt’altro segno. 

Per spessore timbrico e ricchezza di armonici, Michele Pertusi non può competere con i due colleghi. Tuttavia la voce ben proiettata in avanti assicura una ragguardevole risonanza; il lavoro di scavo sulla frase impreziosisce il timbro di per sé grigio, trasformandolo in un bianco e nero ricco di tonalità e sfumature; e pure l’attore risulta tanto misurato quanto compenetrato, dando piena credibilità a quel “prete della resistenza” che, per Ricci e Forte, è Zaccaria. Ivan Magrì imprime, in termini di squillo, la giusta tenorilità a Ismaele, pur sottolineando invece tutta l’antitenorilità di questo personaggio dubbioso, antieroico, perdente: e così facendo giunge alla quadratura del cerchio. Intima nel fraseggio e carnale nel timbro, Annalisa Stroppa compie in un certo senso – con esiti altrettanto ragguardevoli – il percorso opposto: facendo transitare Fenena dall’archetipo di vittima sacrificale a una femminilità energica e volitiva. E l’Anna dolcemente sgomenta di Elisabetta Zizzo, piccolo ma non residuale afflato lirico nella severità monumentale dei concertati, è un cammeo che lascia il segno.