Stando così le cose, Diego Fasolis – appassionato riesumatore dell’Agnese e direttore di questa sua prima rappresentazione in epoca moderna al Teatro Regio di Torino – ha fatto una scelta forse discutibile in termini di rigore musicologico, ma che alla resa dei conti si rivela la più giusta: offrire allo spettatore di oggi tutto il materiale possibile di questa partitura “multipla”, usando come basamento la versione del 1809 e innestandovi, all’interno, i successivi brani sostitutivi (che invece, proprio perché concepiti in sostituzione, avrebbero dovuto sopprimere determinati momenti della stesura iniziale). Ne scaturiscono quasi tre ore di musica per una vicenda che, in realtà, è all’insegna della medietas domestico-borghese, un allargamento forse spropositato del tenore (che acquista un peso eccessivo in rapporto alla melensa frivolezza del personaggio, disinnescando il messaggio “femminista” dell’opera) e una vocalità ondivaga per la protagonista, quasi ibridata con il mezzosoprano in origine ma più acuta nelle pagine ripensate per Parigi.

Ascoltare tutta la musica di Paer rappresenta, però, una felice ricognizione pluristilistica: anzi, poiché i rifacimenti riguardano solo il secondo atto, l’impressione è quasi di sentire due opere distinte. Nella prima parte limpide simmetrie strumentali, una protagonista a intensa concentrazione drammatica, un tenore di grazia centralizzante e di “mezzo carattere” – ancora molto paisielliano o protorossiniano – e voci gravi all’insegna di un espressivo canto spianato, nei picchi tragici (pertinenti al baritono, folle padre della protagonista) come in quelli comici (di competenza del basso buffo, pavido direttore del manicomio). Nella seconda parte, invece, troviamo un’orchestra più sussidiaria rispetto alle ragioni della vocalità, con il corollario d’una protagonista meno severa e veleggiante invece sui lidi d’un belcanto incontaminato, nonché d’un tenore decisamente rossiniano nei preziosismi esornativi e negli alpinismi verso le vette sopracute del pentagramma. Fasolis assembla tutto questo stratificato materiale drammaturgico-canoro con la plasticità unitaria del sapiente concertatore, oltre che con ottimo appiombo tra orchestra e palcoscenico; e sebbene resti l’impressione che la vera anima di Agnese sia quella tardoilluministica piuttosto che la preromantica, i due mondi convivono senza strappi: solo l’impiego del recitativo “secco” – Paer riserva quello “accompagnato” a poche situazioni strategiche – dà a tratti l’impressione di un’arcaicità museale rispetto al passo drammatico dell’opera.